MUSEOS VIRTUALES Y TRADICIONALES.

Nosotras podemos encontrar grandes ventajas en los museos virtuales frente a los museos tradicionales, una primera de tipo práctico es la facilidad de acceso que encontramos en este tipo de museos. Tambien permiten diferentes interpretaciones de las colecciones desde distintos puntos de vista. Existen guías virtuales que nos explican obra por obra y permiten una interactividad mayor. Además, los museos virtuales logran organizar de una forma mucho mas global y unificada las colecciones.
El acceso a un museo virtual es mucho más comodo y atractivo para el usuario, que en ocasiones sienten un rechazo ante los enormes inconvenientes que presenta la visita física a ciertos museos.
Sin embargo, los museos virtuales reciben justamente esa definición ya que suelen copiar los contenidos de algún otro museo real, siguen la obra de algún artista o tratan un tema especial. Aunque los museos virtuales no reemplazarán nunca las visitas físicas a los museos tradicionales para ver los originales de obras históricas para la humanidad, cuando las distancias o las posibilidades económicas no permiten ir, siempre pueden ser una opción muy válida para un primer acercamiento, de una forma más próxima (virtual) a lo que sería la verdadera visita.

NEO EXPRESIONISMO

Este movimiento se desarrolla a fines de los 70, principios de los 80.
Tiene cualidades tactiles y violencia de las pinceladas. La opacidad que transmite la paleta de colores utilizada casi monocroma mezclada con materiales poco ortodoxos y endebles como el plomo, el alambre, paja, yeso. Utiliza tecnicas como el collage y el asamblaje.

HIPERREALISMO

Este movimiento surge en Estados Unidos a fines de los años 60 del s. XX.
Es una tendencia radical de la pintura realista que propone reproducir la realidad con mas fidelidad y objetividad que la fotografia. Aveces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical. El hiperrealismo tiene un origen en la tradicion pictorica estadounidense. El arte pop es el precursor inmediato del hiperrealismo. Toma la iconografia de lo cotidiano. Se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imagenes neutras y estaticas.

OP ART

Este movimiento llamado Op art fue nacido en Estados Unidos en el año 1958.
Es una evolucion matematica del arte abstracto. Se usa la repeticion de las formas simples y los colores crean efectos vibrantes. Se produce un gran efecto de profundidad y una confusion entre el fondo y el primer plano. Implica un habil uso de las luces y las sombras. El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo. Este movimiento una ilusion optica. Se caracteriza por aspectos como ausencia total del movimiento real. Todas sus obras son fisicamente estaticas.
Uno de los autores mas reconocidos es Victor Vasarely:
Es un pintor hungaro afincado en Paris asociado al arte cinetico. Se lo considera como el padre del Op art. Comenzo a estudiar medicina pero dejo la carrera al cabo de dos años, se intereso entonces por el arte abstracto. Se translado a Paris a principio de 1930 y alli trabajo como grafista. En esta ciudad desarrollo su primer obra zebra que se considera hoy en dia la primera obra del Op art. Tenia consideracion por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes tramas)
Bibliografia: parte en wikipedia y parte del trabajo realizado en clases.

POP ART

Se desarrollo en Estados Unidos en 1958 y en Europa a mediados de los años 60.
Dentro de sus caracteristicas es figurativo y realista, crea efectos visuales (vibracion, parpadeo). Diseña formas geometrico-cromaticas simples lineales o de masa en combinaciones complejas. Son composiciones meticulosamente realizadas y estructuradas. En muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos opticos. Son trazos definidos delineados con precision, colores planos de contornos netos. Se utiliza frecuentemente la pintura acrilica para conseguir colores impecables entre lisos y uniformes. El estilo es muy critico con la sociedad de consumo y sus valores que rodean al nombre tienen como base a ciudades de New York y Londres. Los motivos no son tradicionales , lo que capta mas la atencion del publico.

Uno de sus autores destacados es Andy Warhol
Fue un artista plastico y cineasta estadounidense que desempeño un papel crucial y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional adquirio notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura.

EXPRESIONISMO

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectualEl expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya.Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial y del período de entreguerras Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior.

POSTIMPRESIONISMO

Posimpresionismo o postimpresionismo[1] es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.
El impresionismo fue un movimiento pictórico que se desarrolló con fuerza en la segunda mitad del siglo XIX y que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos vigentes en el arte. En su momento, supuso una revolución[2] y sus obras recibieron fuertes críticas. Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de los pintores impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que, décadas después, algunos de ellos alcanzaron cierto reconocimiento. De la disgregación de ese movimiento nació el Postimpresionismo en parte como evolución y en parte como ruptura.
Artistas postimpresionistas:
* Paul Cézanne (Cubismo, Abstraccionismo)
* Paul Gauguin (Fauvismo, Simbolismo)
* Georges Seurat (Puntillismo)
* Henri de Toulouse-Lautrec (Expresionismo)
* Vincent van Gogh (Puntillismo, Expresionismo, Abstraccionismo)
* Ferdinand Hodler
* Edvard Munch (Expresionismo)

NEOIMPRESIONISMO

Neo-impresionismo es una palabra creada por el crítico de arte francés Félix Fénéon en 1887 para caracterizar el movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac, quienes primero exhibieron sus trabajos en 1884 en la muestra de la Société des Artistes Indépendants en París. El término de Fénéon señalaba que las raíces de estos desarrollos se situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea en la práctica de Seurat y Signac, y el trasfondo teórico de los escritos de Chevreul y Charles Blanc.

IMPRESIONISMO

Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.
Técnica y estética impresionista:
Colores puros.
Pincelada gestáltica.
Forma.
Variantes en la estética impresionista.

Romanticismo y Realismo

ROMANTICISMO:
El término romántico se aplica con sentido descriptivo a un cierto tipo de arte, literatura y música, principalmente de principio del siglo XIX, que comparte una serie de características: individualismo, emoción abierta, dramatismo y afinidad con la naturaleza. El poeta Baudelaire lo define como “... intimidad, espiritualidad, color, aspiración hacia el infinito, expresados por todos los medios que permite el arte”. En ese sentido se le suele compara con su término opuesto, ‘clasicismo’, que por lo general se suele referir, en este contexto, a la tradición ‘académica’. Durante el siglo XVIII, la tendencia denominada ‘neoclasicismo’ se planteó, como es sabido, como una recuperación (revival) de los valores clásicos de las artes plásticas y de la arquitectura. Ese concepto implicaba tanto al arte de la Antigüedad Clásica, especialmente su escultura y su arquitectura, como a los artistas de los siglos XVI y XVII que se habían inspirado en aquellos modelos. De todas formas, la diferencia entre ‘clasicismo’ y ‘romanticismo en el arte no queda en absoluto clara, teniendo en cuenta que algunos artistas considerados propiamente ‘románticos’ como Constable o Turner, se inspiraban a su vez declaradamente en modelos clásicos.

REALISMO:
El arte realista se configura como un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura. En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX.
El realismo queda vinculado a las ideas socialistas más o menos definidas. Aunque con claras diferencias entre los distintos autores, en general se aprecia un interés por la situación de las clases más desfavorecidas de la sociedad surgida de la Revolución Industrial. Algunos, adoptan una actitud absolutamente comprometida con los intereses del proletariado, participa en acontecimientos políticos del momento y hace un arte combativo. Otros, mantienen una postura más moderada, y endulzan de alguna forma su visión de la realidad.

Todos ellos comparten una estética basada en la representación directa de la realidad. La manera cómo se materializa este principio básico varia desde la crudeza objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el filtro idealista de Mollet. En cualquier caso, todos comparten la radicalidad de los temas: ante la trascendencia que conceden al tema romanticismo y academicismo, el arte realista entiende que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico.



REALISMO


ROMANTICISMO